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Comptes rendus

Kerry Powell, Oscar Wilde and the Theatre of the 1890s

Marianne Drugeon
p. 235-239
Référence(s) :

Kerry Powell, Oscar Wilde and the Theatre of the 1890s. Cambridge : Cambridge University Press, 1990. 204 p. ISBN : 978-0-5213-8008-9 (hardback) ; 978-0-5211-1167-6 (paperback).

Texte intégral

1Kerry Powell, professeur à l’université de Miami, est spécialiste de la période victorienne, et auteur de nombreux ouvrages sur la place des femmes et de la sexualité dans la période victorienne, dans la lignée des Gender studies. Également spécialiste de théâtre, il s’est intéressé aux actrices, ainsi qu’aux personnages féminins des dramaturges victoriens et édouardiens, en particulier G.B. Shaw et O. Wilde. L’étude comparative du théâtre de Wilde et des autres pièces londoniennes des années 1890 est une réédition (la première datant de 1990) d’un ouvrage phare pour les spécialistes de Wilde.

2Powell a par ailleurs un champ d’investigation plus vaste dans cette étude que les autres, puisqu’il y propose une analyse comparée de l’œuvre dramatique de Wilde, en regard de la production théâtrale victorienne dans son ensemble. Le but est donc double, de proposer à la fois une analyse du théâtre de Wilde et un panorama plus général du théâtre à Londres dans les années 1890. En effet, l’auteur a tout de même concentré son attention sur les pièces jouées dans la capitale, à une époque où, pour des raisons financières, les pièces sont rarement publiées, et où donc certaines sources ne sont plus que secondaires, depuis les critiques publiées dans les journaux jusqu’aux correspondances, de spectateurs, de dramaturges ou de Wilde lui-même. Il est également important de noter que Powell s’est servi des archives du Lord Chancellor, rassemblant les manuscrits des pièces proposées à son examen et ayant ou pas échappé à la censure. L’étude présente ainsi l’intérêt majeur de comparer les pièces très connues de Wilde à d’autres, tombées dans l’oubli aujourd’hui, et qui pourtant avaient connu à l’époque un succès retentissant et comparable.

3Le premier chapitre rappelle ainsi la caractéristique spécifique au théâtre, art vivant, qui veut que le succès de telle ou telle pièce soit jugé à l’aune du nombre de représentations. Il rappelle également que le public victorien n’avait pas les mêmes goûts, les mêmes références ni les mêmes attentes en matière de théâtre que le public contemporain.

4Se concentrant sur le cas particulier de Wilde, l’auteur de l’ouvrage rappelle enfin que l’artiste accusé à maintes reprises de plagiat a en effet été influencé par d’autres dramaturges, tous ses contemporains, et qu’il est surtout parvenu à dépasser les défauts des pièces qui lui ont servi de modèles, afin de produire une œuvre unique et de qualité supérieure. Powell veut ainsi démontrer que les comédies de Wilde, si elles reprennent les clichés des pièces populaires de l’époque, offrent toujours des rebondissements qui bousculent l’ordre établi en usant de son art maîtrisé du paradoxe. Ainsi, s’il a été inspiré par ses contemporains, Wilde semble avoir eu pour eux plus de dédain que d’admiration. L’auteur termine ce premier chapitre en précisant que les premières pièces de Wilde, Vera or the Nihilists et The Duchess of Padua font exception, et sont de moins bonne qualité car il y manque la voix singulière de l’auteur, encore imperceptible derrière le plagiat évident.

5Les chapitres suivants se concentrent de façon chronologique sur chacune des pièces de Wilde. Le chapitre II étudie le cas de Lady Windermere’s Fan, proposant une étude de la figure, récurrente dans le théâtre victorien, de la mère dépourvue d’instinct maternel (« the unmotherly mother »). Si la plupart des auteurs la dépeignent comme un monstre corrompu, qui bien souvent de désespoir et de repentir se suicide ou se cloître dans un couvent, Wilde propose, quant à lui, une mère qui jamais ne regrettera d’avoir abandonné son enfant, bien loin de tous les clichés de la moralité et des valeurs de l’époque. Mais cette pièce reste cependant beaucoup moins subversive que ses équivalents chez Shaw et Ibsen, et Powell y voit notamment l’influence de directeurs de théâtre et d’éditeurs qui ont demandé à Wilde de changer la pièce, afin d’annoncer la maternité de Mrs Erlynne bien avant l’acte 4, ménageant ainsi la sensibilité du public victorien, mais amoindrissant aussi la portée de l’œuvre.

6Le chapitre III traite du cas particulier de Salomé, et démontre que la pièce a été écrite en français car elle était destinée à l’actrice Sarah Bernhardt, et aussi pour contourner la censure, notoirement plus laxiste envers les pièces jouées en français sur le sol britannique. L’auteur nous propose un bilan de la critique et fait montre d’une prise de distance et d’une argumentation convaincantes, laissant une impression d’objectivité. La mise en contexte de son étude permet en outre de mieux rendre compte des références intertextuelles multiples de l’œuvre wildienne, rappelant que si l’on considère souvent Salomé comme la copie d’une pièce de Sardou écrite pour Sarah Bernhardt (« a two S’s play »), le style y est cependant beaucoup plus proche de Maeterlinck que de l’auteur à succès français. L’étude comparative et contextuelle trouve néanmoins ici sa limite puisque Powell semble être plus intéressé par l’actrice légendaire que par la pièce, dans laquelle elle n’a finalement jamais joué.

7Le chapitre IV étudie le cas de A Woman of no Importance, la pièce de Wilde qui remporta le moins de succès. Elle joue non plus sur le thème rebattu de la mère dénaturée mais sur celui, non moins fréquent, de la femme au passé sulfureux (« woman with a past »), proposant des parallèles qui dépassent le champ strictement théâtral pour aborder celui du roman, avec par exemple The Scarlet Letter. Dans cette pièce, et même s’il n’est pas le seul à le faire à l’époque, Wilde se démarque dans une certaine mesure d’une tendance notable du théâtre victorien à proposer une vision de la femme traditionnelle et conventionnelle : les propos de Mrs Arbuthnot sont parfois plus modernes et plus libres, alors qu’à d’autres moments de la pièce ils apparaissent comme plus conservateurs. Une fois de plus Wilde ne semble pas avoir assumé jusqu’au bout ses velléités d’affranchissement, offrant un portrait contradictoire d’une « woman with a past ».

8Le chapitre V est particulier puisqu’il s’intéresse non plus à des pièces mais à des dramaturges, étudiant l’influence d’Ibsen sur Wilde. Celui-ci était considéré par ses contemporains comme le Sardou anglais, mais aurait probablement préféré, si l’on en croit sa correspondance, être comparé à l’auteur norvégien, avec lequel il se sentait plus d’affinités. Powell étudie donc les points communs et les différences qui caractérisent ces deux dramaturges et leurs productions respectives, relevant notamment un écho bien souvent négligé entre Hedda Gabler et The Importance of Being Earnest, les deux pièces jouant sur la confusion entre un enfant et une œuvre littéraire. Cependant, même si les influences en matière de style, d’image ou même de message sont légion, il n’en reste pas moins que les différences l’emportent, car elles tiennent de façon beaucoup plus profonde au genre choisi par chacun : Ibsen propose des tragédies au sein de la classe moyenne, alors que Wilde dépeint les facéties comiques de l’aristocratie. L’auteur en vient ainsi à proposer un néologisme bienvenu sur le modèle de celui de Wilde lui-même, parlant alors de The Ballad of Reading Gaol, et expliquant qu’il avait tenté de « out-Kipling Henry ». Dans An Ideal Husband donc, Wilde aurait cette fois « out-Ibsen Archer », proposant une nouvelle fin à la pièce d’Ibsen, Pillars of Society.

9En effet dans cette pièce Wilde s’avère beaucoup plus traditionnel, et donc proche d’Archer, dans sa vision des relations homme-femme, n’hésitant pas à affirmer, par l’intermédiaire des paroles de ses personnages, que la vie d’un homme est plus importante que celle d’une femme. On touche ici un point sensible de l’étude : il est en effet très délicat de déterminer la part d’engagement politique du dramaturge, qui à la fois se moque de l’aristocratie et des principes qu’elle représente, et à la fois vient réaffirmer ces mêmes principes et valeurs, en utilisant le théâtre comme un porte-voix. Powell aurait peut-être dû ici prendre plus de précautions ; il propose des parallèles un peu rapides entre l’auteur et ses personnages, et veut voir, derrière l’intrigue de la pièce, une leçon de morale à destination des spectateurs.

10Le chapitre VI retourne à l’étude d’une pièce particulière, An Ideal Husband, montrant de façon passionnante l’évolution de la pensée des relations entre hommes et femmes à l’époque victorienne, débat au sein duquel la pièce de Wilde tient une place toute particulière. En effet la morale traditionnelle faisait de la femme un idéal domestique, et de l’homme un être imparfait, auquel son épouse devait donc pardonner ses manquements à la vertu. On comprend d’ailleurs ici pourquoi An Ideal Husband renverse ce rapport de forces traditionnel, mettant Mr Chiltern, et non sa femme, sur un piédestal. Mais l’époque connaît aussi de nombreuses remises en question, qui s’avèrent contradictoires, de ce modèle : selon certains courants féministes, l’homme doit s’élever au même rang d’exigence que la femme, pour d’autres c’est à la femme de prendre plus de libertés avec les règles morales rigides auxquelles elle s’était jusqu’alors soumise. Powell s’inspire ici des livres de conduite à destination des jeunes épouses, ainsi que des débats qui font rage dans la presse. Wilde quant à lui se démarque de ces différends en créant un homme politique prêt à acheter le silence de Mrs Cheveley afin de sauver sa carrière publique, à une époque où la plupart des comédies qui ont pour sujet le même dilemme montraient l’homme politique renonçant à sa carrière afin de répondre aux idéaux moraux de sa femme. Le chapitre fait cependant le point, rappelant que si, d’un point de vue strictement social, la pièce n’est pas conventionnelle, elle pêche avant tout par le manque de consistance, et de constance, des personnages de Lord Goring et Mrs Chiltern, qui sont peu crédibles.

11Il n’en reste pas moins que cet éclairage sociologique est précieux, car il permet de comprendre en quoi des pièces qui nous apparaissent aujourd’hui comme très conventionnelles ont pu, il y a seulement un siècle, surprendre le public victorien.

12Les deux derniers chapitres de l’ouvrage, enfin, traitent de façon plus étendue de la pièce la plus célèbre de Wilde, The Importance of Being Earnest. Cette pièce dépasse en effet les autres en ce qu’elle ne parodie pas seulement un thème, celui de l’enfant abandonné, mais un genre, la farce. Powell fait ici un rapprochement très convaincant avec une pièce qui est restée non publiée, The Foundling, mais dont le texte est disponible au sein des archives du Lord Chancellor. En retour, les auteurs de la pièce plagiée par Wilde ont d’ailleurs eux aussi repris des passages entiers de Earnest lors d’une mise en scène ultérieure, aux États-Unis, prouvant ainsi la véracité de la thèse de Powell. Mais cette fécondation réciproque entre les deux œuvres ne s’est pas faite au même niveau : les auteurs de The Foundling se sont contentés de recopier des passages de The Importance of Being Earnest, alors que Wilde a retourné les ressorts de la pièce originale, pour retourner le genre de la farce dans son ensemble.

13Le dernier chapitre fait le point sur la farce victorienne, reposant sur la déstabilisation des identités, sur le mode du Bunburyisme, mais démontre que les personnages de Wilde, en réfléchissant à leur propre transgression des modèles, prennent leurs distances par rapport à leur propre individualité, et permettent de généraliser le propos.

14En guise de conclusion, Powell émet l’hypothèse que si Wilde n’a plus écrit de théâtre après sa sortie de prison, c’est en partie en raison de son éloignement de la scène londonienne qui lui a servi de modèle, afin de mieux la subvertir.

15L’ouvrage est agrémenté, en appendice, d’une liste des 100 principaux dramaturges londoniens contemporains de Wilde, mais n’incluant pas les auteurs connus, dont les pièces sont aujourd’hui encore disponibles. Des notes, une bibliographie conséquente (même si l’on peut regretter qu’elle ne compte, en matière de critique, que des œuvres anglo-saxonnes, et qu’elle n’ait apparemment pas été remaniée depuis la première édition) et un index complètent cette étude qui s’avère à la fois passionnante pour un public amateur de Wilde ou du théâtre dans son ensemble, et éclairante pour les spécialistes.

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Pour citer cet article

Référence papier

Marianne Drugeon, « Kerry Powell, Oscar Wilde and the Theatre of the 1890s », Cahiers victoriens et édouardiens, 72 Automne | 2010, 235-239.

Référence électronique

Marianne Drugeon, « Kerry Powell, Oscar Wilde and the Theatre of the 1890s », Cahiers victoriens et édouardiens [En ligne], 72 Automne | 2010, mis en ligne le 29 août 2016, consulté le 29 avril 2017. URL : http://cve.revues.org/2774

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Auteur

Marianne Drugeon

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